马苏尔指挥的“肖七”

肖斯塔科维奇：第七交响曲

演奏：纽约爱乐乐团

指挥：库特·马苏尔

TELDEC

     肖斯塔科维奇的第七交响曲创作于1941年，反映了作曲家在纳粹入侵列宁格勒（现为圣彼得堡）时期的个人体验和回忆。作为空袭中的志愿消防队员，肖斯塔科维亲眼目睹了战争的恐怖和残酷。这部形式上最长的第七交响曲也是作曲家对自己所热爱的城市惨遭蹂躏的见证。三年的围困有60多万平民死去，作曲家把这部作品题献给在希特勒的暴虐袭击下仍坚持战斗的俄罗斯人民。

这部作品首演于1942年3月1日。当制成微缩胶片的总谱从俄罗斯通过秘密渠道送往美国时引起了全世界的关注。阿图罗·托斯卡尼尼于1942年7月19日在纽约指挥NBC交响乐团进行了作品的北美首演。（这个录音已包括在RCA最近出版的托斯卡尼尼专辑中）从那时起，有关交响曲的肯定与否定，它的战争宣传作用和艺术价值等问题成为公众讨论的话题。

第七交响曲中的矛盾冲突和强烈情感表现使它成为肖斯塔科维奇最为通俗的作品之一，自首演开始就被认为是对同盟国事业的赞美诗。但也有人指责它拥有太多的平庸曲调和慷慨激昂。评论最多的是第一乐章中替代传统奏鸣曲式展开部的反映军事冲突的反复部分。简洁的进行曲式的动机通过11次反复和乐器的不断扩增，从弱发展到高潮。（作品首演时，巴托克正在纽约的医院里，他从广播中反复听了三次，并在他为管弦乐队所作的协奏曲中模仿了这个主题）这是总谱中最有争议性的部分，也对指挥家在总体结构的完整体现方面提出了挑战。

尽管如此，第七交响曲仍不失为一部杰作。肖斯塔科维奇在全部四个乐章中对主题旋律的创作和发展，对传统曲式进一步扩大的熟练掌握就是很好的证明。第四乐章再现了第一乐章中一些不和谐因素（特别是结束时的嘈杂），而第二和第三乐章都是肖斯塔科维奇作品的精华。迫于当局对艺术家创作的制约，肖斯塔科维奇一生都是被无情攻击的牺牲品。他不像普洛克菲耶夫那样能够忍耐，总是极不适应地面对那些评论，而惟一的出路就是在音乐中，在某些乐章中表现他内心的痛楚。第二乐章（谐谑曲）展现了作曲家略带讽刺意味的思乡怀旧，形象鲜明，令人难忘。第三乐章（柔板）是交响曲的核心，是肖斯塔科维奇最凄美的音乐之一，也是20世纪交响乐作品中最完美的慢板乐章。

第七交响曲的精品版本不够多，从托斯卡尼尼的早期奉献到作为肖斯塔科维奇专家的尼姆·加尔维和尤里·特米尔卡诺夫的录音。在这个领域里，马苏尔的新录音是特殊的，或许可以说是最值得推荐的版本。透过马苏尔对音乐作品（比如著名的布拉姆斯作品）相当沉稳的解读以及他在指挥台上的表现，人们大概并不希望他在此传达出热烈激昂的演绎。

与伯恩斯坦指挥同样乐队的录音、在每一乐章的开头都是尖利紧张的发音相比较，马苏尔的演绎比他善于发挥的前辈更有说服力，给人留下了深刻印象。有争议的反复部分处理得恰到好处（伯恩斯坦居然删去了一个变奏），这一部分的结束和终曲乐章中，乐团的演奏表现出不可抗拒的激情和极好的整体协作能力，体现出马苏尔雄辩而充满活力的指挥水平。诙谐曲演奏得非常完美，特别是木管声部的演奏。柔板乐章中，马苏尔运用了马勒式的表现方式，在乐章结束时，象赞美诗的主部主题由全体弦乐器吟唱出来，柔美凄然，令人心碎。

这部作品的现场录音本身就是特别值得骄傲的。除了演绎上的创新，Avery Fisher Hall大厅作为录音场所并不十分理想，但Teldec公司的制作赢得了高品质的声音，达到了适宜的氛围、内在冲突、细节丰满与一系列力度变化的完美结合。观众与舞台上嘈杂的声音也给听众带来了现场感。

库尔特·马苏尔赋予“列宁格勒”交响曲的深沉而完整的诠释有别于其他指挥家的录音。这是他最卓越的演奏之一，对喜爱肖斯塔科维奇音乐作品的人来说，这也是值得保留的为数不多的基本录音之一。 （海伦）